Las 10 mejores películas que ensucian tu mente

En ocasiones, es satisfactorio tomarse un reposo de las películas elaboradas. No lo malinterpretes, ningún fanático del cine que valga la pena está sobre los bienestares de una escena de acción cinética o de un romance desvergonzado. Aún persiste el atrayente de la noticia de una experiencia cinematográfica que te hace procurar pensar sobre sus símbolos, técnica y complejidades, y quizás proveer una exclusiva visión inolvidable a fin de que el espectador se la lleve.

En este momento, dejemos asimismo en claro: esta tampoco es una lista sobre estupideces arbitrarias. No se precisa arte para eso. Un algoritmo informático puede redactar un guion donde suceden cosas superficialmente artísticas. Como sucedió, se mencionó que por lo menos uno había escrito un comercial a esta altura (pero eso resultó probablemente no sea verdad.) Hablamos de películas que tienen composición y en el momento en que los autores rompen las reglas de realización de películas, es con un propósito en cabeza.

10. Boceto

La interpretación mucho más habitual de la primera película de David Lynch de 1978 es que tiene que ver con un trabajador de una imprenta en un pueblo desértico llamado Henry Spencer que de manera accidental deja embarazada a su novia Mary, y tienen un bebé deforme inhumanamente. La razón por la cual esa es solo la interpretación mucho más habitual es por el hecho de que Lynch dijo explícitamente en entrevistas que en las décadas siguientes absolutamente nadie se aproximó a exactamente interpretando su sombrío debut (dijo que el auténtico concepto pretendido tiene algo que ver con la Sagrada Biblia, pero eso es tan revelador como se volvió).

Entonces, ¿qué prosigue atrayendo a la multitud a procurarlo? Dado a que la película de Lynch no solo tiene la composición maleable de una historia comprensible si bien sombría, asimismo tiene mofas para la audiencia que semejan jugar con lo abstractas que son algunas situaciones surrealistas. Por servirnos de un ejemplo, a lo largo de una escena donde Henry está con la madre de su novia, hay un chirrido fuerte y desapacible en una gran parte de la escena, lo que deja al espectador ansioso con lo que es ese estruendos y lo que podría representar … entonces declara que es un estruendos benigno. camada de perros chiquitos. Después, en el momento en que Mary deja a Henry, hay una escena popularizada donde ella juega con el borde de la cama mientras que Henry está acostado en ella. Está enmarcado desde la perspectiva de Henry, con lo que no podemos consultar lo que hace, y vimos suficientes imágenes surrealistas con sonidos siniestros que podría ser cualquier cosa. Sigue por un extendido deliberadamente período temporal. Entonces, con un pop, saca su maleta de bajo la cama. Para resumir, el truco de Lynch era entender que solo enseñar cuadros desgarradores sería desapacible, y que integrar algo de comedia y agradables sorpresas haría que la película fuera menos predecible, entre las claves de su intriga que va a durar décadas.

9. La tierra de Van Diemen

Esta película de 2009 se apoya en hechos reales y se esmera por tratarlos con el debido respeto. Prosigue a una banda de ocho convictos mandados a una colonia penal en la isla de Tasmania, el líder de hecho Alexander Pearce fue enviado desde Irlanda por hurtar seis pares de zapatos. En 1822, el conjunto se apartó de los asentamientos del lado oriental de la isla. En el duro desierto de Tasmania, agobiados debieron recurrir al canibalismo. Pese a la situación de pesadilla, el directivo Jonathan Auf Der Heide se aseguró de contener la crueldad y la sangre para eludir llevar a cabo una película de explotación. No obstante, a lo largo de su estreno, múltiples integrantes de la audiencia vomitado y otros se desmayaron frente a la película. Es de sospechar que tenía que ver con personas que en 2009 habían visto considerablemente más imágenes gráficas. ¿De qué forma fue que la película de Auf Der Heide tuvo un efecto tan radical de manera accidental?

Según el directivo, el truco al que se metió de alguna forma fue reducir la crueldad. La carencia de gráficos, imágenes intensificadas y FXs removieron una parte del efecto de distanciamiento que indudablemente tiene alguna técnica cinematográfica. Como ha dicho, “… en el momento en que se transforma en situación, el homicidio puede ser mundano, torpe y feo”. No es que la moderación de la dirección en sí sea la solución mágica a fin de que una película llegue a la audiencia a un nivel visceral, pero funcionó maravillas involuntarias aquí.

8. Una historia de espectros

Esta película de 2017 redactada y apuntada por David Lowery puede ser la película mucho más polarizante incluida en esta lista, con una enorme brecha entre el consenso de la crítica y la audiencia en sitios como Tomates podridos por servirnos de un ejemplo. La historia es que muere el personaje de Casey Affleck popular solo como “C”, su espectro (que se representa verdaderamente como el actor bajo una sábana) avizora la vivienda de su pareja “M” interpretada por Rooney Mara. “M” no sabe que “C” está ahí, trata de aguantar el desarrollo de desafío y al final deja su casa, pero “C” no puede irse con ella. Atrapado en la vivienda, ocasionalmente se desmorona a su alrededor. Entonces, el tiempo da un giro y “C” está no solo obsesionando a “M” por un tiempo, sino más bien a sí mismo.

El aspecto mucho más inolvidable de la película es de qué forma juega con el pasar de los años. La película reproducirá acontecimientos que están premeditados a tener un peso sensible especial en el mismo instante, y instantes en los que los individuos se sienten congelados o desconectados fluyen por bastante mas veloz. Con bastante, el ejemplo más importante de o sea una escena donde M se come la mayoría de un pastel. Para 4 minutos en solo una toma, oscuramente alumbrada, donde Mara está sentada en el suelo. En vez de solo enseñar unos segundos de atracones para llevar a cabo comprender el punto, Lowery se demora a fin de que, por turnos, se vuelva deprimente, incómodo, entonces repugnante y angustioso. Transforma la tristeza del mal de algo que tiene la posibilidad de tener algún género de estética en fundamentalmente una tortura para todos y cada uno de los comprometidos, incluyendo la audiencia. Ver a la actriz comerse el pastel en el mismo instante le deja a la audiencia comprender que la actriz verdaderamente lo logró en vez de emplear la edición para hacer más simple la escena. No se debe culpar al público si elige realizar cualquier cosa con su tiempo en vez de ver eso, pero la decisión creativa precisamente tocó la fibra sensible de varios.

7. Entra en el Vacío

La trama de esta película es fundamentalmente la simplicidad misma. Un vendedor de drogas de bajo nivel llamado Oscar vive a causa de un trauma infantil severo. Hará una venta, la policía allana el lugar de la transacción, trata de asustarlos diciendo por medio de una puerta clausurada que tiene un arma, y ​​consecuentemente es tiroteado. Como resultado, las vidas de su hermana y sus colegas se van de control.

Pero lo que va a tener un encontronazo en un espectador muy probablemente no sea su crónica o individuos. Es así como Gaspar Noe cuenta su crónica de 2009 de forma tan inmersiva desde la visión de Oscar, completa con enseñar lo que Oscar ve, lo que tropieza en DMT y sus visiones de muerte. Prácticamente todo desde un criterio así en primera persona, aun mientras que se desplaza de su cuerpo al horizonte de Tokyo bañado por neón. Se desplaza sobre las situaciones de su hermana conectándose con el gerente de un club (lo que resulta en un embarazo no esperado) y uno de sus asociados se transforma en un basurero que busca a un sin techo. Asimismo viaja al pasado y ve el incidente automovilístico que dio forma a su historia y acabó con su idílica vida familiar. Hay múltiples situaciones que son sencillamente luces estroboscópicas intermitentes a los ojos del público, para emular el efecto de “luz en el final del túnel” en el momento en que la corteza cerebral se apaga. Exactamente el mismo Noe trató inusualmente de remover toda ambigüedad del final, diciendo en un tono entrevista que todos y cada uno de los acontecimientos en la película una vez que le disparasen a Oscar son alucinaciones y que mientras que escribía la película era absolutamente espiritual. Pero cualquier persona que sea la visión de la vida de un integrante de la audiencia, da una visión muy convincente de ingresar en la otra vida y la reencarnación.

6. Azul

Hay muy escasas películas que sean mucho más minimalistas que la película de 1993 de Derek Jarman. Eso no significa que no pase nada en él. La banda sonora está llena de narración al cargo del directivo, Nigel Terry, y Tilda Swinton donde el personaje principal especula sobre las cosas que ver, sus experiencias, su régimen médico, rechazando todos y cada uno de los actos de superficial caridad y piedad que se le han extendido. Pero todo cuanto hay que ver durante toda la película es un display azul ininterrumpida. Eso es pues en el momento en que lo hacía, Derek Jarman se moría de SIDA y su visión tenía destellos de luz azul intermitentemente mientras que se quedaba ciego por daño en la retina.

El Washington Articulo mencionó que el efecto de verlo fue “un ataque inexorable de asfixia”. Asimismo describió de qué manera el efecto fue en un instante “nauseabundo”, y sabiendo que en el instante en que lo hacía, Jarman se describió a sí mismo como un “laboratorio ambulante” de todas y cada una de las pastillas que se encontraba tomando, incluyendo las experimentales, entonces eso quiere decir que precisamente consiguió ciertos espectadores para tener relaciones. El sin dependenciamentó mientras que lo veía, los “ojos te juegan una mala pasada”, lo que señala que asimismo dio cuando menos algo de su espacio mental alucinatorio.

5. Sátántangó

La película de 1994 del directivo húngaro Bela Tarr suena como el montaje de una novela que escribiría John Steinbeck. Una red social agrícola (una vieja granja colectivista, en tanto que apoyado en una novela de 1985 redactada en la Unión Soviética) ha recibido un subvención del gobierno. Desde delincuentes obstinados hasta pequeños mayores exagerados, observamos las distintas formas en que la astucia toma las unas partes del dinero en efectivo de los desprevenidos. La película se extiende siete horas y media con un reparto considerablemente más pequeño de lo que comunmente implicaría una película como esa (salvo que cuentes a las vacas como integrantes del reparto) pero como está convenientemente dividido en 12 partes, verlo es mucho más semejante a conocer una miniserie.

El deber de tiempo no es el aspecto que suena mucho más desalentador de Sátántangó para los no iniciados. Esta película exhibe sus distintas subtramas primordialmente en tomas muy largas que de manera frecuente equivalen a viajar de un espacio a otro caminando, o aun caminar cerca de inmuebles. Además de esto, algunas situaciones se reproducen desde distintos puntos de vista. ¿Suena poco entretenido? Para bastantes lo va a ser. Pero asimismo tiene el efecto de remover cualquier sensación de singularidad en el ambiente rural ruinoso. Más allá de que las imágenes están grabadas en blanco y negro nítido, muestran caminos embarrados y chapaleando. El efecto es que estar en la aldea puede parecer tan opresivo y también incómodo para el espectador que se regresa indiferente a la maldad de los varios ladrones. Aun crímenes tan severos como el de una pequeña que se entera de que sus compañeros la engañaron a fin de que enterrase su dinero y responde yendo a casa para abusar de su gato se vuelven considerablemente más, si no precisamente comprensivos, por lo menos mucho más entendibles. Probablemente los espectadores salgan totalmente desesperanzados de cualquier iniciativa que tuviesen de la vida rural pastoral.

4. La Matriz

Oh, ¿aguardabas que esta lista solo incluyese películas de arte / culto? En modo alguno, el éxito comercial no es una barrera para una técnica eficiente. Más allá de que indudablemente otros muchos han comentado a muerte sobre su empleo de la composición, el color, etcétera. de Hero’s Journey en 2017 vlogger Patrick Willems compartió con Internet una observación novedosa. Era un procedimiento fácil pero enormemente efectivo que empleaban los Wachowski para sostener a la audiencia insegura: mezcla de sonido a lo largo de las transiciones de escena.

Por poner un ejemplo, a lo largo de la escena donde el personaje principal Neo es interrogado por el villano Agente Smith y un dispositivo de rastreo cibernético modelado una vez que un cangrejo de río es puesto en su ombligo mientras que Neo chilla, exactamente el mismo género de grito que hace Neo en el momento en que se lúcida en cama. Esta combinación de edición y mezcla de sonido imita una escena previo donde Trinity le muestra a Neo la iniciativa de entrar a un nuevo planeta en un club, y también justo después de que se lúcida. Pero en la mezcla de sonido, la partitura cambia de ritmo y tono para parecerse al zumbido de un despertador antes de pasar en cama a la próxima escena, lo que contribuye a vender la noción de que la escena previo era un sueño a través del sonido conectado y establece un patrón en la película. Es una ilustración especial de de qué manera las películas precisan entablar reglas y marcos si el cambio en el fluído de acontecimientos tendrá un concepto para el público y de qué manera aun los métodos de filmación mucho más sutiles tienen la posibilidad de ser esenciales.

3. El resplandor

Desde 1980, la mística de la adaptación cinematográfica suelta de Stanley Kubrick de la crónica de terror de Stephen King en el Overlook Hotel solo ha incrementado. Sus situaciones especificaciones de horror manifiesto (los enigmáticos gemelos, la puerta que se abre con un hacha, la sangre del ascensor, etcétera.) se han discutido extensamente y, en este punto, se han parodiado o parcheado aún mucho más con frecuencia, como en el éxito de taquilla de 2018. Ready Player One. Recientemente, no obstante, ha surgido una creencia que da crédito a la eficiencia de la película por algo supuestamente trivial. Es la existencia de fallos de continuidad.

Tras el reportaje de Rodney Ascher de 2013 Salón 237, estos fallos se convirtieron en un tema parcialmente candente en los círculos cinematográficos. Uno de los más importantes fallos es la imposibilidad física del Overlook Hotel como lo apuntan los vídeos de Rob Ager (quien se percató por el hecho de que su amigo trataba de hacer un nivel de seguidor en el juego de plataformas Duke Nukem para parecerse al Hotel Overlook). Por servirnos de un ejemplo, para la entrevista al principio de la película, la oficina donde se hace tiene una ventana al exterior. No obstante, en la película, al equiparar la localización de esa oficina con los corredores por los que pasa el personaje principal Jack Torrance, se sabe que la oficina está absolutamente cercada por el edificio. La ventana es “irrealizable”, como ha dicho Ager. Otro fallo importante es que Grady, el cuidador previo que mató a su familia en un suicidio por asesinato antes de los acontecimientos de la película, tiene por nombre Hables Grady al comienzo pero lleva por nombre Delbert Grady mucho más adelante, lo que es un fallo bastante extraño para todos y cada uno de los comprometidos en la producción. Añade a un tema sugerido por la toma final de la película que de alguna forma estos individuos se han reencarnado y van a visitar este hotel constantemente durante los años.

Si todo lo mencionado fuera intencional, no habría sido la primera oportunidad para Kubrick. En A Clockwork Orange, a lo largo de la escena donde el personaje principal Alex DeLarge es drogado, Kubrick intencionalmente porciones de la comida puesto en frente de él para desorientar a la audiencia. Agrandar esa noción de una escena a un extenso film sería bastante ambicioso aun para sus estándares.

2. Picnic en Hanging Rock

Esta película de 1975 no solo lanzó la carrera del futuro directivo de The Truman Espectáculo y Master and Commander, Peter Weir. Se le asigna haber revolucionado el cine australiano y haber efectuado películas de forma eficaz desde fuerza en todo el mundo a tener en consideración. No es de extrañar que fuera suficientemente amado para ser rehecho en 2018 como un Series de Televisión.

Lo que asiste para enganchar a Picnic en Hanging Rock es su aparente normalidad. Empieza con la clase de una escuela de fin de curso en Adelaide de 1900 y se efectúa un día de asueto. Mientras que están allí, 4 de las chicas desaparecen. Los conjuntos de búsqueda siguientes no tienen la posibilidad de localizar ningún indicio. Un hombre procura llevarlo a cabo solo y se queda ciego. Hanging Rock se niega siquiera a insinuar qué ocasionó la desaparición de las mujeres o qué logró que la investigación posterior tuviese ocurrencias tan extrañas. Entonces, entre las mujeres vuelve, pero no puede rememorar nada de lo que le sucedió cerca de Hanging Rock. Además de la partitura hipnótica del pan flautista Zamfir, asimismo se cuenta de forma tan mundana y minuciosa que varios pensaban que la historia completamente fabricada se fundamentaba en un secreto real inexplicable. No es de extrañar que en el momento en que se estrenó en un inicio, más allá de que solamente contenía crueldad en pantalla, se tratase como una película de terror.

1. La batería

Absolutamente nadie llamaría a esta película de 2012 una película de arte y sus desarolladores no aspiraban a que lo fuera. Es una película de amigos de zombies, La batería del título tiene relación a un dúo de cricket que lanza y está al bate. Una de esas baterías viaja por el campo con ciertos compañeros intentando de conseguir cobijo. No fue un éxito masivo ni un preferido de la crítica. Su presupuesto era un miserable $ 6000. Entonces, ¿qué hace en la situación # 1 en esta lista?

Por el hecho de que los autores Jeremy Gardner y Adam Cronheim brindaron con una manera brillantemente fácil y económica de añadir un efecto inconsciente a su película mediante infrasonidos. Los infrasonidos son un género de estruendos blanco que tiende a estar fuera del alcance del oído humano consciente. Máquinas como acondicionadores de aire, generadores y cualquier otra cosa que genere un 19 hz o sonido mucho más bajo. Ya que se registran de forma inconsciente, brindan un estímulo que con frecuencia pone a los humanos al máximo sin comprender por qué razón, lo que se aprovechó sensiblemente para la mezcla de sonido de esta película. Sencillamente revela todo el arte y el intelecto que varios directivos procuran poner en sus películas. La gente prosiguen siendo personas y susceptibles a los trucos mucho más básicos.

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