Las 10 mejores películas que no esperarías de directores famosos

Tabla de contenidos

  • 10. The Fearless Vampire Killers (Roman Polanski, 1967)
  • 9. American Graffiti (George Lucas, 1973)
  • 8. Elvis (John Carpenter, 1979)
  • 7. Fast Company (David Cronenberg, 1979)
  • 6. Popeye (Robert Altman, 1980)
  • 5. Dune (David Lynch, 1984)
  • 4. Kundun (Martin Scorsese, 1997)
  • 3. Música del corazón (Wes Craven, 1999)
  • 2. Barrido (Guy Ritchie, 2002)
  • 1. Red State (Kevin Smith, 2011)

Ciertos directivos son conocidos por trabajar en géneros muy concretos. El nombre “Alfred Hitchcock” es homónimo de suspenso y suspenso. Las expresiones “Charlie Chaplin” en el instante recuerdan visiones de comedias mudas. Ingmar Bergman se convirtió en una keyword para las películas de arte existenciales y sombrías de Europa del Este. Y, no obstante, ocasionalmente, un directivo va a hacer una película que se distinga absolutamente de su otro trabajo. Estas películas no son siempre malas. En verdad, ciertas de ellas están entre las mejores películas de sus propios directivos. Sencillamente se resaltan como extrañezas, en comparación con el resto del trabajo de sus autores. He compendiado diez de esos ejemplos. Estas películas, ordenadas cronológicamente por fecha de estreno, representan ciertas salidas mucho más extrañas y también poco comunes de los estimados directivos.

10. The Fearless Vampire Killers (Roman Polanski, 1967)

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A lo largo de los años sesenta y setenta, Roman Polanski fue popular por hacer películas que presentaban perspectivas sombrías de la vida y finales trágicos. Las primeras películas hogareñas de arte como Knife in the Water (1962), Repulsion (1965) y Cul-de-sac (1966) establecieron su reputación como un profesor intransigente. Entonces sacudiría al planeta con 2 de las películas mucho más trágicas y también viles de Hollywood: Rosemary’s Baby (1968) y Chinatown (1974).

Pero entre todas y cada una estas oscuras piezas maestras, Polanski lanzó The Fearless Vampire Killers, una película que se puede detallar mejor como una combinación de una película de terror de Hammer y humor de payasadas. Prosigue a 2 “asesinos de vampiros”, el instructor Abronsius y su aprendiz Alfred, mientras que se encuentran con una localidad de Transilvania plagada de cosas que se agitan en la noche. Excepcional para Polanski en esta etapa de su trayectoria, la película tiene una rica paleta de colores y un tono humorístico.

9. American Graffiti (George Lucas, 1973)

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Lo ames o lo detestes, quizás ningún directivo haya tenido un encontronazo tan enorme en el cine de ciencia ficción como George Lucas. Su licencia de Star Wars se encuentra dentro de las series de películas mucho más reconocidas nunca efectuadas y un genuino fenómeno cultural. Por consiguiente, a ciertos les puede asombrar que una de sus mejores películas no tenga nada que ver con la ciencia ficción. La película, American Graffiti, es una película sobre la mayor parte de edad ambientada a inicios de la década de 1960. Prosigue a un conjunto de graduados de la escuela secundaria que pasan una última noche juntos antes de tomar caminos separados. Entre los individuos primordiales, Curt Henderson (interpretado por un joven Richard Dreyfuss) no está seguro de si desea proceder a la facultad, pese a recibir una beca de 2.000 dólares americanos. Pero esa última noche, ve a una enigmática chavala rubia en un Ford Thunderbird blanco de 1956. Procura hallarla mientras que su última noche avanza. Asimismo hay varias subtramas, con un sinnúmero de individuos secundarios y muscle cars tradicionales. La película se convirtió en un recordatorio entrañable de una temporada en la historia estadounidense que pasó.

8. Elvis (John Carpenter, 1979)

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En los 80, el directivo John Carpenter y el actor Kurt Russell hicieron una sucesión de amados tradicionales de ciencia ficción. Estos incluyeron la pieza maestra de bajo presupuesto Escape from New York (1981), la extravagancia de FXs The Thing (1982) y el entrañable preferido de los entusiastas Big Trouble in Little China (1986). Pero la primera oportunidad que Carpenter y Russell trabajaron juntos fue en la biografía cinematográfica de televisión de Elvis Presley. La película, apropiadamente llamada Elvis, fue entre las únicas películas de Carpenter que no se encontraba relacionada tangencialmente con la ciencia ficción o el terror. En parte importante preocupado por sus primeros años, Elvis tenía una gran banda sonora de 25 canciones. Russell es especialmente convincente como el Rey del Rock ‘n Roll. Su actuación fue tan elogiada que sería contratado para otorgar la voz de doblaje de Elvis en Forrest Gump (1994) de Robert Zemeckis. Elvis tuvo bastante éxito e inclusive le valió a Russell una nominación al premio Emmy.

7. Fast Company (David Cronenberg, 1979)

compañia rapida

David Cronenberg pertence a los autores supremos del cine de terror y de los thrillers de inspiración sicológica. Cerca del final de sus años de capacitación en la década de los 70, en el momento en que hacía primordialmente películas de terror de creador de ultra bajo presupuesto, Cronenberg dirigió Fast Company, una película que hasta hoy todavía es la entrada mucho más anacrónica de su obra. Fast Company es una película de carreras de drag, fácil y llanamente. No hay bastante en la trama. Hay un conjunto de corredores “buenos”, dirigidos por un patriarca experimentado, que tienen que combatir contra su patrocinador corrupto y un conjunto de corredores “desalmados”. Esta es finalmente una película de nicho mucho más que las películas de carreras normales; se usa mucha jerga técnica y se hace hincapié en la política de la compañía. Pero existen algunas imágenes de carreras agradables y una banda sonora verdaderamente increíble. De especial interés es el tema de la película, que sinceramente podría ser un simple exitoso. Es posible que debas ser un fanático de los engranajes para gozar de Fast Company, pero eso no la transforma en una mala película.

6. Popeye (Robert Altman, 1980)

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Más allá de que Robert Altman siempre y en todo momento fué elogiado por su utilidad y su intención de hundirse en distintas géneros, su musical Popeye de 1980 probablemente halla sido bastante para el directivo iconoclasta. La película prosigue al amado marinero en el momento en que llega a la localidad portuaria de Sweethaven, donde se conquista de Olive Oyl y está en conflicto con el poderoso Capitán Bluto. La trama verdaderamente no se regresa mucho más dificultosa que los cortos animados auténticos de Popeye. Pero la película cuenta con el apoyo de una atractiva proporción de decorados hechos a la medida y ciertas actuaciones atinadas. No me importa lo que comenten, Robin Williams era impecable como Popeye y Shelley Devall era una inspirada Olive Oyl.

Independientemente, lo que maldice la película es la horrible banda sonora de canciones repetitivas y desganadas que tiran de la trama de la historia. La película probablemente podría haberse mejorado si Altman hubiese cortado todas y cada una de las canciones. Altman haría otras películas malas (¿qué directivo no lo hizo?), Pero ninguna se resaltaría tanto como Popeye.

5. Dune (David Lynch, 1984)

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Entre los catastrofes de taquilla mucho más legendarios de los años 80, Dune de David Lynch todavía es absolutamente diferente de cualquier otra película llevada a cabo por el extraño directivo. Si bien Lynch había experimentado con platos mucho más “deseables” con El hombre elefante (1980), Dune sería el ahínco mucho más usual del directivo. Una adaptación de la renovadora novela de Frank Herbert, cometió el fallo de procurar meter mucha historia de fondo y bastantes individuos en solo una película. Universalmente criticada por críticos y entusiastas, la película fue un desastre que, en varios cortes, Lynch tuvo su nombre sustituido en los créditos por el siempre y en todo momento habitual seudónimo de “Alan Smithee”. A dios gracias, Lynch proseguiría la película con Blue Velvet (1986) y volvería a la pista como uno de los más importantes profesores del teatro de medianoche estadounidense.

4. Kundun (Martin Scorsese, 1997)

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Tras una secuencia de éxitos que incluyeron Goodfellas (1990) y Casino (1995), Martin Scorsese logró Kundun, una película sobre la vida del decimocuarto Dalai Lama, desde su niñez hasta su escapada de Lhasa a la India. Uno de los más importantes focos de la película es la pelea del Dalai Lama contra los chinos marxistas y Mao Zedong. Pese a ciertas críticas tibias, Kundun fue bien recibido. No obstante, semeja fuera de sitio en una carrera dominada por estudios de carácter de sicópatas y delincuentes. Es solo entre los tres largos de Scorsese que se ambientan fuera de los USA, los otros 2 son La última tentación de Cristo (1988) y Hugo (2011). Para un directivo cuyo trabajo estuvo gobernado por temas como la culpa y la redención católica, es impresionante ver a Scorsese hundirse en una teología y un sistema de opiniones tan distintas. Desgraciadamente, la película resultó en la prohibición de Scorsese en China.

3. Música del corazón (Wes Craven, 1999)

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El directivo Wes Craven es recordado por muchas cosas distintas. Logró múltiples tradicionales de culto viles como La última casa a la izquierda (1972) y Las lomas tienen ojos (1977). Creó a Freddy Krueger, entre las figuras mucho más identificables del género slasher. Y asimismo inició la querida licencia Scream. Y, no obstante, en algún rincón profundo de esta distinguida carrera de terror, está la película Music of the Heart. La película está fundamentada en la historia real de la Opus 118 Harlem School of Music y la pelea de su profesora Roberta Guaspari por sostener su programa de música. Finalmente prosigue la fórmula del “profesor decidido que llega a un conjunto de pequeños desfavorecidos” popularizado por películas como Stand and Deliver (1988). Las expresiones “reconfortante” y también “inspirador” no acostumbran a asociarse con Craven, pero detallar adecuadamente la Música del Corazón. En verdad, prácticamente provoca que uno quiera que Craven realice dramas mucho más serios.

2. Barrido (Guy Ritchie, 2002)

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Chaval Las películas de Ritchie siempre y en todo momento han fluctuado en calidad durante los años, pero ninguna fue tan horrible como Swept Away. La película es una “comedia romántica”, interpretada por su entonces mujer Madonna como una mujer rica engreída que se queda varada en el transcurso de un crucero en una isla desierta, con el primer oficial del barco. Ritchie, que previamente solo había hecho películas sobre juegos de azar y criminales, no era conveniente para el género. La película es un remake de la película italiana Barrida por un destino excepcional en el mar azul de agosto (1974), que fue alabada por su subtexto político. Ritchie suprimió esto y, en cambio, se centró en la historia amorosa central. El resultado fue tan malo que la carrera de Ritchie prácticamente jamás se recobró. Fueron primordiales 2 películas de Sherlock Holmes para volver a poner la reputación del directivo. Aguardamos que Ritchie jamás vuelva a procurar llevar a cabo una “comedia romántica”.

1. Red State (Kevin Smith, 2011)

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En el momento en que Red State se lanzó por vez primera, pocos sabían de qué manera reaccionar. Su directivo, Kevin Smith, había pasado prácticamente toda su trayectoria realizando comedias peculiares, con diferentes escenarios de éxito. Pero Red State fue una película de terror directa, sobre un culto de evangélicos locos que piensan que su llamado es librar al planeta de los gays. Empieza en el momento en que tres jovenes son apresados por la iglesia para ser ejecutados, como una parte de sus “servicios de adoración”. No obstante, llaman la atención de la policía, que llama a la ATF para salvar a los cautivos y llevar a los evangélicos frente a la justicia. Red State es absolutamente diferente a cualquier otra cosa que Smith haya dirigido. Es violento, perturbador y audazmente en fase de prueba en la manera en que cambia a los personajes principales a la mitad.

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