Los 10 mejores músicos masculinos ciegos

Al tocar un instrumento, poder ver es finalmente útil, ¿verdad? Para cualquier persona que haya toqueteado con una guitarra, haya aprendido su primer acorde, su segundo, aun un tercero y después se haya rendido en el momento en que llegó el instante de agrupar los tres, imagínese realizando todo eso nuevamente, solo que sin la asistencia del sentido de la visión. . Entonces, piensa que eres verdaderamente bueno en eso.

O sea lo que hicieron las próximas personas, y asimismo en un sin corazón negocio de la música. Un negocio ofuscado con la imagen y en mucha menor medida (por lo menos estos días), el talento. Por medio de su perserverancia, determinación, trabajo duro y muchos de talento natural dado por Dios, estos tipos consiguieron vencer por sí solos. Al demonio con la discapacidad visual.

10. Ronnie Milsap

Los músicos ciegos semejan ser normalmente músicos de blues y jazz, con lo que el artista de country Ronnie Milsap es un tanto extraño.

Nació en Robbinsville, Carolina del Norte con un trastorno congénito que lo dejó prácticamente totalmente ciego al nacer. Esta discapacidad no le impidió progresar en el negocio de la música. Una niñez que pasó oyendo música country, gospel y blues lo inspiró y, a la edad de siete años, sus profesores ahora habían sentido su principiante talento musical.

Prosiguió su capacitación en música tradicional mientras que aprendía a tocar múltiples instrumentos distintas antes que comenzara su trayectoria en 1963, en el momento en que su primer simple “Total Disaster” disfrutó de determinado éxito local. En los años setenta y ochenta, Milsap se transformaría en entre los vocalistas country mucho más predominantes y populares, con éxitos como “It Was Almost Like A Song” y “Smoky Mountain Rain”.

El éxito en las listas de éxitos podría haberse fatigado en los últimos tiempos, pero todavía es entre los vocalistas mucho más estimados de la música country.

9. Nobuyuk Tsujii

Nobuyuk Tsujii, que revela que no solamente los pianistas estadounidenses ciegos hacen cosas virtuosas desquiciantes, es un talentoso joven músico japonés. La palabra “superdotado” es una subestimación. Para esos que desconocen sus talentos, una corto síntesis de sus logros, todos conseguidos antes de cumplir los 25 años:

A la edad de 4 años empezó a tocar “Jingle Bells” en el piano tras percibir a su madre tararearlo. A los siete años, ganó el primer premio en el Certamen de Música de El país nipón para Alumnos Ciegos. A los diez años comenzó con la Century Orchestra Osaka y a los 12 había dado su primer recital de piano mientras que asimismo componía su primera canción, llamada “Street Corner of Vienna”.

Desde ese momento, Tsujii se ha anunciado en países de todo el planeta y escribió el tema musical de una película y un drama televisivo nipones. En los últimos tiempos ganó prominencia en el planeta de la música tradicional y muchas de sus grabaciones están en este momento extensamente libres. Todo lo mencionado y todavía tiene poco mucho más de veinte años. ¿Qué va a ser lo próximo para este joven y talentoso músico?

8. Willie Johnson ciego

Existen muchos músicos de blues con “Blind” en su nombre. Era justo lo que se podía llevar a cabo anteriormente. Con gente como Ciego blake

, Jefferson de limón ciego y Blind Boy Fullerm, la asociación con el blues y los músicos ciegos se realizó tan angosta que la multitud comenzó a adoptar el alias de “ciego” en el momento en que de todos modos no tenían deficiencias visuales. Por servirnos de un ejemplo, a lo largo de los años sesenta, en el momento en que Bob Dylan escogió un seudónimo para una grabación temprana, escogió Blind Boy Grunt.

Willie Johnson terminantemente se encontraba ciego. Se discute de qué manera llegó de esa forma, como varias cosas sobre su historia, si bien la historia mucho más generalmente contada es que en el momento en que su padre golpeó a la madrastra de Willie por engañarlo, en un ataque de íra, ella arrojó lejía en la cara de su hijo. .

Desde la niñez, el enorme artista del gospel del futuro deseó ser predicador. Empezó, como varios de sus contemporáneos, cantando en las esquinas, con su ronco barítono cantando el evangelio de su Señor. No obstante, su forma de tocar la guitarra precisamente no se encontraba en la tradición de la música gospel. En verdad, se filtró en la tradición del blues. Johnson asimismo resultó ser de los mejores guitarristas de slide.

En el lapso de su corto carrera discográfica, causó 30 pistas para Columbia Records 1927-1930. Canciones como “Let the Light from the Lighthouse”, “The Soul of a Man” y el instrumental impresionantemente atmosférico “Dark Was the Night, Cold Was the Ground” todavía proyectan su notable sombra el día de hoy y sus canciones fueron versionadas por artistas como Arroyo, Eric Clapton y Las franjas blancas.

Como varios músicos de blues antes y después, fue subestimado en su temporada y en el momento en que su casa de Texas se incendió en 1945, el pobre músico no tenía ningún otro rincón adonde ir y sencillamente dormía entre los escombros. Murió poco tiempo tras contraer malaria.

7. George Shearing

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Los músicos de jazz de popularidad en todo el mundo son una raza extraña hoy en día. No es que no haya varios enormes por ahí, pero es bien difícil oír su nombre retumbando entre todos y cada uno de los triunfadores del certamen de talentos en los medios de el día de hoy. Quizás empezar Jazz Idol, The Jazz Aspecto, o So You Think You Cánido Jazz asistiría. De todas maneras, George Shearing representaba algo tal como una clase en extinción, un músico enormemente talentoso popular en el planeta del jazz pero popular en el mundo entero por las dos cosas apasionados al jazz y al pop.

Nativo de Battersea en Londres en 1919, Shearing empezó a divertirse a una edad temprana e inclusive ganó una beca universitaria fundamentada en sus capacidades. Lamentablemente, intervino el dinero y debió negar la beca en vez de un trabajo mucho más gratificante a nivel económico … tocar el piano en un pub local por la bella suma de £ 5 por semana.

En 1947 se mudó a los EE. UU. Y a lo largo de las décadas siguientes se transformaría en uno de sus músicos mucho más insignes, tocando para tres presidentes en la Casa Blanca, ganando la admiración del escritor Beat Jack Kerouac y escribiendo mucho más de 300 creaciones, incluyendo la seminal “Lullaby en Birdland “.

En 2007 recibió el título de caballero de la Reina de Inglaterra. El pianista ciego cuyo pobre padre había entregado carbón una vez al palacio recibió de manos de la Reina el mayor honor de su país.

George Shearing murió en el mes de febrero de 2011 a los 91 años.

6. Moondog

La mayoría de esta lista está dominada por músicos bastante habituales relacionados con la guitarra y el piano. No hay nada clásico en Louis Thomas Hardin, asimismo popular como “Moondog”. Tome la próxima oración, por servirnos de un ejemplo. Al comienzo de su historia, el músico y poeta ciego tomó la resolución siendo consciente de vivir en las calles de Novedosa York vestido como el dios nórdico Thor.

Empezó su historia con plena vista y empezó su educación musical tocando la batería en una caja de cartón en el momento en que era niño. A los 16 años perdió la visión en un incidente agrícola y aprendió a tocar música de oído. En la década de 1940 se mudó a Novedosa York, donde se transformó en músico callejero, si bien tenía su apartamento en el prominente Manhattan. Entonces tuvo la iniciativa de comenzar a nombrarse a sí mismo Moondog en honor a un perro que conocía que acostumbraba a aullar a la luna.

Después, se instalaría en Alemania donde el viajero vikingo haría música inspirada en los sonidos de la calle, los ruidos del metro y las sirenas de la niebla. Fue apropiadamente excéntrico. Siempre y en todo momento en pos de algo nuevo, asimismo inventó bastantes instrumentos como un harpa de manera triangular famosa como “Oo” y la Trimba, un instrumento de percusión triangular.

Más allá de que sus grabaciones no dañaron las listas de éxitos en su historia o desde ese momento, tuvieron una predominación notable en músicos de todos y cada uno de los campos de la vida. Minimalistas como Philip Glass y Steve Reich son entusiastas; Janis Joplin logró un cover de su canción “All is Loneliness” exactamente la misma Anthony and the Johnsons; mientras que el DJ Mr. Scruff probaba su canción “Bird’s Lament”.

Murió en Alemania en 1999 a los 83 años.

5. Willie McTell ciego

Exactamente la misma su amigo y contemporáneo el ciego Willie Johnson, McTell se encontraba designado a no ser jamás un enorme éxito en su historia. En verdad, como su amigo que tocaba gospel, murió prácticamente olvidado, solo unos años antes que el boom del folk de principios de los sesenta indudablemente lo hubiese salvado de la obscuridad. De cualquier forma, su música ha pervivido y su legado el día de hoy todavía es mucho más fuerte que jamás.

Willie nació, muy probablemente, en 1898 en Georgia. En contraste a varios de sus contemporáneos, incluido Johnson, no era el estereotipado artista de blues barítono de voz ronca, sino tenía un tenor dulce y melódico. La música fue siempre y en todo momento su ocupación preferida y empezó a tocar la armónica y el acordeón, antes que la guitarra de 12 cuerdas se transformara por último en su instrumento favorito.

Podía tocar los estándares de jazz y pop de la temporada, pero eran sus canciones de blues y gospel las que formarían la base de su legado musical. “Mama T’Ain’t Long Fo ‘Day”, por poner un ejemplo, es la parte de blues mucho más impecable que nunca oirás mientras que canciones como “Statesboro Blues” y “Southern Perro Is Mine” fueron versionadas por The Allman Brothers Band to the White Stripes.

Bob Dylan quizás le logró el mayor cumplido por una canción que transporta el nombre del artista en el momento en que cantó “absolutamente nadie puede cantar blues como Blind Willie McTell”.

4. José Feliciano

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Ciertos tienen la posibilidad de ser propensos a ignorar la notable capacidad precisa y el desafío asociado con transformarse en un músico consumado en el momento en que tienen una discapacidad visual. En ciertos casos, como los viejos blues y jazz, sencillamente no disponemos las imágenes que nos recuerden su discapacidad, en otros, la personalidad es tan famosa y atractiva que su discapacidad puede ser olvidada. En ocasiones, no obstante, la pura capacidad técnica del intérprete prácticamente provoca que la discapacidad sea mucho más pronunciada, tal y como si se viese obligado a rememorar que lo que está vivenciando verdaderamente sucede. Un caso es José Feliciano.

El guitarrista puertorriqueño es lo que podríamos llamar un virtuoso. Durante sus 50 años de carrera lo intentó prácticamente todo. Música tradicional, rock, pop, jazz, blues y todo lo demás forman una parte del repertorio de este inconformista musical.

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Su punto culminante comercial llegó en 1970 con la publicación de la canción “Feliz Navidad”, pero su trabajo equivale a considerablemente más que la canción novedosa de temporada. Prosigue grabando tanto en castellano como en inglés y tiene la extraña distinción de tener éxito en los dos.

3. Art Tatum

Comentando de virtuosos, pocos vencieron a Art Tatum como entre los mucho más enormes de todo el mundo. Tatum es, en resumen, de los mejores pianistas que nunca haya existido. Los vuelos inventivos del genio de la improvisación y las visibles hazañas de habilidad musical hacen que la producción de Tatum sea tan pasmante y también inspiradora el día de hoy como en el momento en que sus dedos volaron por vez primera sobre las teclas del piano.

Nació en Toledo, Ohio de padre guitarrista y madre pianista. En contraste a todos los otros en la lista, él no era 100% ciego. Las cataratas le hicieron perder la visión en un ojo y tenía visión limitada en el otro.

La música llegó de forma fácil al joven Tatum y lo comprendió todo de oído, inspirándose en Fats Waller y James P. Johnson, entre otros muchos. Sobre la base de influencias tradicionales y de zancada, formó un sonido único. Tatum usó progresiones de acordes invertidas y extendidas que se adelantaron por lo menos una década a su tiempo y el pianista influiría de enorme manera en los futuros colosales del jazz como Bill Evans, Thelonious Monk y Oscar Peterson.

Quizás el mayor cumplido que recibió Tatum fue el de su héroe Fats Waller, en el momento en que entró en un club donde tocaba Waller. Fats, apreciando su entrada, se separó del piano y ha dicho: “Solo toco el piano, pero esta noche Dios está en la vivienda”.

2. Stevie Wonder

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Stevie Wonder es un tanto excelente. Primero, se transformó en una estrella infantil, entonces consiguió un control sin precedentes de sus canciones, asistió a que el cumpleaños de Martin Luther King Jr. fuera un día festivo y asimismo realizó ​​ciertas mejores canciones y álbumes de la historia, todo sin tener la utilización terminado de sus ojos.

Nacido como Stevland Hardaway Morris en 1950, Little Stevie Wonder tocaba música tan rápido como ha podido tocar el harpa. A la edad de 11 años, Wonder ahora había firmado con Motown. “Fingertips” fue su primer enorme éxito y su trayectoria despegó desde allí. Prosiguieron hits fáciles a lo largo del resto de los sesenta antes que Wonder dejase expirar su contrato con Motown. Confrontando un combate con Berry Gordy, la estrella ganó el control creativo terminado de su nuevo trabajo, un paso inaudito para cualquier músico en ese instante. Tenía poco mucho más de veinte años con doce tradicionales a sus espaldas, pero su mejor trabajo aún se encontraba por venir.

A lo largo de los un par de años siguientes lanzó una trilogía de álbumes; Music of My Mind, Talking Book y también Innervisions que resultarían ser la piedra angular de su trayectoria y, en varios sentidos, la música habitual a lo largo de las próximas décadas. Wonder mejoró la utilización del sintetizador, un sonido que ha gobernado la música pop desde ese momento.

Claro, su trabajo posterior no está a la altura de lo que vino antes, pero todos tienen límites. Little Stevie Wonder medró para cambiar la industria de la música para toda la vida. Dado que absolutamente nadie mucho más, y menos él mismo, logre estar a nivel de su pasado no es tan asombroso en el momento en que absolutamente nadie tiene comparación con la historia.

1. Ray Hables

Resultado de imagen de Ray CharlesEs bastante irrealizable seleccionar entre Ray Hables y Stevie Wonder para el puesto número uno. En concepto de capacidades musicales, legado, predominación, capacidad para cantar y carisma puro, es una carrera bastante reñida. Converses se adelanta un espacio por unos cuantos causas. Uno, que llegó allí (a la escena musical) primero y 2, sin la fusión de blues y gospel de Ray Converses en soul, probablemente Stevie Wonder no sea el artista que es.

Ray Converses nació en Georgia en 1930 y empezó a perder la visión a los cinco años. A los siete años se había ido completamente. Para entonces, un pianista de blues local ahora había despertado su interés musical y de forma rápida se transformó en una estrella en la escuela. Prontísimo estuvo en la carretera aprendiendo las cuerdas con múltiples conjuntos antes de establecerse por un tiempo en Seattle. Al comienzo, sus discos eran puras imitaciones, concedidas excelentes, de artistas como Converses Brown y Nat King Cole, antes que el hermano Ray al final encontrase su sitio en Atlantic Records.

“Mess Around”, “I Got A Woman” y “Drown in My OwnTears” fueron varios de los varios éxitos que lanzó a lo largo de este periodo en el momento en que combinó ritmos de R&B con himnos gospel en un nuevo género de música que se conocería como soul.

Entonces firmó con Antes de CristoParamount Records justo después de su enorme éxito crossover “What I Say”. Como Stevie Wonder tras él, logró negociar una independencia en su contrato que pocos artistas antes que él habían logrado. Con esto asegurado, abandonó sus raíces de R&B y exploró su lado del país, reinventándose completamente y ese género de música en el desarrollo.

Modern Sounds in Country y Western Music llevaron el género a la prominencia de la corriente primordial y aseguraron el legado de Converses como algo mucho más que un delicioso hombre de R&B.

Escribió ciertos buenos auténticos, pero su papel como intérprete de material fue insuperable. En ninguna parte se mostró mejor que en su interpretación de los estándares del país “No puedo dejar de quererte” y “No me conoces”. Desde mediados de los sesenta de ahora en adelante su trabajo fue impredecible, pero en el momento en que era bueno proseguía siendo realmente bueno. Tome su versión de “Eleanor Rigby” de The Beatles o “Imagine” de John Lennon. Esos eran pura felicidad musical y daban a conocer precisamente que Hables estuvo haciendo un trabajo en un tubo a lo largo de unos treinta años. En el momento en que uno logró lo que tenía, revolucionó un género musical y asistió a inventar otro, se ganó el derecho a realizar lo que le plazca.

Ray Converses murió en el mes de junio de 2004 a los 73 años, dejando tras de sí ciertas mejores grabaciones de la música habitual.

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